Y qué hay antes de las Vanguardias?

1. EL IMPRESIONISMO

Antecedentes:

1.1. EL ECLECTICISMO

El término "ecléctico", fue usado por primera vez por Johann Joachim Winckelmann para caracterizar el arte del Carracci, que se incorporó a sus elementos en pinturas a partir del Renacimiento y las tradiciones clásicas. Agostino, Annibale y Lodovico Carracci habían tratado de combinarse en la línea del arte de Miguel Ángel, el color de Tiziano, el claroscuro de Correggio, la simetría de Rafael y la gracia.

1.1.1. EL ARTE DE CARRACCI

Carracci o Caracci, apellido de una familia de artistas italianos que se destacaron principalmente durante el barroco, los más conocidos de ellos son:

* Annibale Carracci (Bolonia, 3 de noviembre de 1560-Roma, 15 de julio de 1609) fue un pintor y grabador italiano del clasicismo romano-boloñés (destaca la importancia que le dio a la naturaleza y al paisaje, expresado con belleza, equilibrio y serenidad. Se le llamó paisaje "clasicista" o "heroico"). Es el más famoso de la saga Carracci. Se le ha considerado el rival de Caravaggio (el caravagismo es una corriente pictórica dentro del barroco. Estos pintores también son conocidos como tenebristas, por su uso de la técnica del claroscuro. En otras ocasiones, se hace referencia a su naturalismo o realismo. Los pintores caravaggistas reproducen la figura con gran realismo, representándola generalmente contra un fondo monocromo, e iluminados por una luz violenta) , pues encarnó una opción artística opuesta a la de aquél.

"Cupido junto a Venus descubierta por Adonis" de Annibale Carracci

En la Bolonia de principios de los años 1580, su hermano mayor Agostino Carracci junto con el primo de ambos, Ludovico Carracci, abrieron la "Academia de Pintores de Desiderosi" (Deseosos de fama y aprender), que posteriormente se llamó la "Academia de los Incamminati" (Progresistas) y finalmente la "Escuela de los Eclécticos". El principal objetivo de los tres Carracci fue renovar la pintura, que entendían que había degenerado durante el Manierismo (El término "manierismo" proviene de maniera moderna, en referencia a aquellas obras que se decían realizadas a la manera de los grandes maestros del Alto Renacimiento: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel. No se intenta representar la realidad de manera naturalista, sino que se hace extraña, un poco deformada, como un capricho. Los cuadros ya no transmiten el sereno orden y equilibrio del Alto Renacimiento sino que se inclinan por representaciones anticlásicas, intrincadas y complicadas en cuanto a su sentido. Los modelos adoptan posturas complicadas. Se las representa de manera desproporcionada, elásticas, alargadas. La perspectiva es infinita. El manierismo resulta refinado y de difícil interpretación, debido tanto a su sofisticación intelectual como a las cualidades artificiales de la representación. La luz no es natural sino fría y coloreada de manera antinatural, lo mismo que los colores: son extraños, fríos, artificiales, violentamente enfrentados entre sí, en vez de apoyarse en gamas.) y que también veían en peligro por el naturalismo de Caravaggio (1571-1610), fue un pintor italiano, considerado como el primer gran exponente de la pintura barroca. Caravaggio colocó la oscuridad (sombras) en el claroscuro, oscureciendo las sombras y transformando el objeto en un eje de la luz, cada vez más penetrante. Con este tipo de pintura, los artistas comenzaron a plasmar el físico y la psicología de los personajes de una forma cada vez más real y aguda), al que algunos apodaban "Anticristo del arte".

Los Carracci pusieron un énfasis especial en el dibujo, frente a los diseños sin boceto previo, aparentemente descuidados, de Caravaggio. Su estilo se mueve entre el énfasis por las formas sólidas, duras, como Miguel Angel, y al uso del color rico y muy matizado, con efectos atmosféricos. 

* Agostino Carracci o Caracci (1557-1602), pintor y grabador italiano. Seguía como ideal la naturaleza. Compuso un soneto para explicar a Niccolo dell'Abate lo de "ecléctico":

"Éxtasis de Santa Catalina de Siena" de Agostino Carracci

Quien quiera ser pintor con maestría

dé a sus dibujos línea Romana,

con movimiento y sombra Veneciana

y el colorido de la Lombardía.

De Miguel Ángel la terrible hombría,

la natural postura del Tiziano,

como Correggio puro y soberano,

de Rafael la pulcra simetría,

del Tibaldi reparto y decorado,

del Primaticcio docto el inventar,

del Parmigiano el grácil modelar.

Sin tanto estudio el fin será logrado

solamente, imitando el peregrino

arte de nuestro amigo Niccolino.

* Ludovico Caracci (1555-1619). Pintor y grabador italiano. Fue primo de los hermanos Agostino Carracci y Annibale Carracci.

"Madonna Bargellini" de Ludovico Carracci

Profundizó en el estudio directo de la naturaleza, especialmente a través de sus dibujos. Se inspiró fuertemente en la obra de Correggio (-1489–1534- Considerado como pionero del uso de la luz. Consigue sensación de ingravidez. De gran sensibilidad y delicadeza, pinta a niños, adolescentes y figuras femeninas suaves y de blanda sensualidad. Comienza como un renacentista clásico, posteriormente recibe la influencia manierista y acaba, por su dinamismo y profundidad espacial, anticipando el barroco)  y de la Escuela veneciana (El poderío de su luz, la policromía natural, su afición al lujo y a la diversidad de vestimentas, y hermosura de la mujer). Sin embargo, resta en su obra un residuo del estilo manierista que dominó la Escuela Boloñesa durante el siglo XVI. Ludovico mantuvo un equilibrio entre su formación manierista, su innata piedad y el naturalismo del trabajo de sus primos.

1.2. PAISAJISTAS INGLESES ROMÁNTICOS

En la primera mitad del siglo XIX, en pleno Romanticismo, Joseph Mallord William Turner (1775-1851. Es considerado un artista romántico del paisaje inglés, cuyo estilo condujo a la fundación del impresionismo) y John Constable (1776-1837) fue un pintor inglés de paisajes. La región de Suffolk fue el tema preferido de sus paisajes, hasta el punto de que el área del Valle de Dedham, en Suffolk, se conoce como el país de Constable. Su obra más famosa es El carro de heno) —pintores paisajistas ingleses— sentarían las bases sobre las que más adelante trabajarían los impresionistas.

De Turner los impresionistas tomarían su gusto por la fugacidad, sus superficies borrosas y vaporosas y el difuminado y mezcla de colores intensos. Así como la descripción de un momento visual más allá de la descripción formal, en el que la luz y los colores dan lugar a una "impresión" más poderosa. El máximo exponente de estas características lo encontramos en "Lluvia, vapor y velocidad" (1844), cuadro que podríamos considerar ya preimpresionista. Los impresionistas eliminarán el componente sublime de la obra de Turner, propio de la pintura romántica.

Lluvia, vapor y velocidad. El gran ferrocarril del Oeste

(Rain, Steam, and Speed –The Great Western Railway) Joseph Mallord William Turner, 1844

 

"La carreta de heno" John Constable, 1821

1.3. ÉDOUARD MANET (1832-1883) fue un célebre pintor francés, que se destacó al ser uno de los iniciadores del impresionismo. Ningún pintor del grupo impresionista ha sido tan discutido como Manet. Para algunos, fue el pintor más puro que haya habido jamás, por completo indiferente ante los objetos que pintaba, salvo como excusas neutras para situar un contraste de líneas y sombras. Para otros, construyó simbólicos criptogramas en los que todo puede ser descifrado según una clave secreta, pero inteligible. Para algunos, Manet fue el primer pintor genuinamente moderno, que liberó al arte de sus miméticas tareas. Para otros, fue el último gran pintor de los viejos maestros, demasiado enraizado en una multitud de referencias histórico-artísticas. Algunos creen todavía que fue un pintor de deficiente técnica, incapaz completamente de conseguir una coherencia espacial o compositiva. Otros piensan, por fin, que fueron precisamente estos "defectos" los que constituyeron su deliberada contribución a las drásticas y enormemente fructíferas transformaciones que introdujo en la estructura pictórica.
 

Le déjeuner sur l'herbe (El desayuno sobre la hierba), 1863

En su Desayuno sobre la hierba Manet presenta un bodegón. Pese a que las figuras representadas son humanas, el autor trabaja el cuadro como si fuera una naturaleza muerta. Esto se evidencia por la ausencia de conexión de unos personajes con otros, tres personajes van vestidos mientras que el cuarto está desnudo; las miradas nunca se encuentran aunque haya un personaje hablando y la disposición en primer (cesta y comida), segundo (grupo) y tercer término (mujer en el agua) es meramente compositiva. Este trabajo influenciará a los impresionistas en la desatención del modelo y de la narración.

Le déjeuner sur l'herbe (El desayuno sobre la hierba), 1863

1.4. COROT Y LA ESCUELA DE BARBIZON
Jean-Baptiste Camille Corot (1796-1875), pintor francés de paisajes.
Corot tuvo un importante papel en la formulación del Impresionismo, porque renunció a muchos de los recursos formales renacentistas prefiriendo concentrar su atención en espacios más planos, más sencillos y en superficies más luminosas. Y, aunque a diferencia de los impresionistas nunca llegó a fragmentar la luz en sus componentes cromáticos y siempre organizó y simplificó sus formas para conseguir una cierta composición clásica, también usó con frecuencia una elevada clave tonal así como, en términos generales, un frescor y una espontaneidad.
Corot fue el primero que le dio carta de naturaleza a la pintura al aire libre. La revolución impresionista radicaba precisamente en la fidelidad a la sensación óptica obtenida ante la naturaleza en determinadas condiciones de atmosféricas y de luz. Corot fue el primer pintor que expresó esa sensación en sus cuadros.

Camille Corot "Recuerdo de Mortefontaine" (1864)

La Escuela de Barbizon de pintura (aprox. 1830–1870) fue el conjunto de pintores franceses reunidos en torno al pueblo de Barbizon, cercano al bosque de Fontainebleau, donde los artistas de este círculo llegaron a establecerse. Los integrantes fundadores de la escuela de Barbizon fueron Théodore Rousseau, Jean-Baptiste Camille Corot, Jean-François Millet y Charles-François Daubigny.

Mantienen un estilo realista, pero de entonación ligeramente romántica, que se caracteriza por su especialización casi en exclusiva en el paisaje y su estudio directo del natural. Esto influirá en el resto de la pintura francesa del siglo XIX, en especial en el Impresionismo. Usualmente tomarán sus apuntes al aire libre para realizar sus obras definitivas en sus estudios

Renunciaron a la estampa pintoresca de la vida campestre y se lanzaron a analizar de un modo casi escrupuloso la Naturaleza. Esta observación de lo natural produce efectos sentimentales en el alma del pintor, por lo que sus paisajes adquieren una calidad dramática bastante perceptible.

"El Ángelus" Jean-François Millet  

EL IMPRESIONISMO

el Impresionismo es el primer movimiento moderno, resultado de una prolongada evolución, que coloca definitivamente al siglo XIX bajo el signo del paisaje y que busca un lenguaje nuevo basado en un naturalismo extremo (naturalismo en las artes plásticas se refiere a la representación de objetos realistas en un ambiente natural. Naturalista es el arte que presta atención a detalles muy precisos y apropiados, y que retrata las cosas tal como son. El naturalismo comenzó a principios del Renacimiento, y se desarrolló más aún durante el Barroco, como ocurre con la Escuela florentina. Suelen pintar lienzos de gran formato en el que lo principal es la figura humana, más que el paisaje).

Tiende a usar con creciente frecuencia colores puros y sin mezcla, sobre todo los tres colores primarios y sus complementarios, y a prescindir de negros, pardos y tonos terrosos. Aprendieron también a manejar la pintura más libre y sueltamente, sin tratar de ocultar sus pinceladas fragmentadas y la luz se fue convirtiendo en el gran factor unificador de la figura y el paisaje.

2.1. SU NACIMIENTO

Aunque el término Impresionismo se aplica en diferentes artes como música y literatura, su vertiente más conocida, y aquélla que fue la precursora, es la pintura impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la "impresión" visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet "Impresión: sol naciente". 

Claude Monet, "Impresión: soleil levant", 1872–1873

LITERARUTA IMPRESIONISTA

Movimiento literario nacido en Francia en la segunda mitad del siglo XIX. Corresponde al impresionismo pictórico inaugurado por Manet en 1863. El impresionismo surgió como una reacción contra el realismo y se propuso en el terreno literario, lo mismo que en la pintura, registrar primariamente las sensaciones, restaurando al mismo tiempo una nueva era imaginativa. Trataba de suprimir el elemento intelectualista y reflexivo en literatura, haciendo que el escritor se identificara con las cualidades del objeto observado. Una novela impresionista presenta a sus personajes en una serie de detalles, palabras, reacciones, gustos y preferencias que terminan por caracterizarlos para el lector.

El impresionismo literario fue iniciado en Francia por los hermanos Goncourt, (escritores franceses del siglo XIX, pertenecientes a la corriente naturalista: Edmond y Jules de Goncourt.) quienes publicaron numerosas novelas de este tipo, y fundaron su famosa "Revista" en 1856.

Octave Mirbeau (1848-1917) fue un escritor francés, periodista, crítico de arte, autor de novelas, de obras teatrales y de cuentos) es el mejor ejemplo de la novela impresionista del fin de siglo.

Crítico de arte y de literatura de Auguste Rodin, Claude Monet, Camille Pissarro, Paul Cézanne, Félix Vallotton y Pierre Bonnard, así como “descubridor” de Vincent Van Gogh, Camille Claudel, Aristide Maillol , Maurice Maeterlinck, Marguerite Audoux y Maurice Utrillo.

debuta oficialmente con el éxito de Le Calvaire (El Calvario) (1886), novela en la que se libera de los traumas de una pasión devastadora por una mujer llamada Judith y rebautizada Juliette en la ficción. En 1888 publica L'Abbé Jules (El Abate Julio), primera novela dostoievskiana y prefreudiana de la literatura francesa, en la que aparecen dos personajes fascinantes : el abate Jules y el padre Pamphile. En Sébastien Roch (1890), se alivia de otro trauma : el de su estancia con los jesuitas de Vannes y la violencia padecida con ellos, transgrediendo un tabú que cien años después perdura : la violación de adolescentes por sacerdotes.

Poco después, publica tres novelas: Le Jardin des supplices (El Jardín de los suplicios (1899), Le Journal d'une femme de chambre (Diario de una camarera) (1900), y Les 21 jours d'un neurasthénique (1901). Ya en ellas pone en jaque el género novelesco, practicando la técnica del collage, transgrediendo los códigos de la verosimilitud, de la credibilidad novelesca.
El remate de la vieja novela supuestamente realista se deberá a sus dos últimas obras narrativas, La 628-E8 (628-E8) (se trata de una oda al automóvil; el número corresponde a la placa) (1907) y Dingo (1913), donde la fantasía se libera y cuyos héroes son su automóvil y su perro.

En el teatro Mirbeau alcanzó un primero éxito con un tragedia proletaria, Les Mauvais bergers (Los malos pastores) (1897), y después un triunfo mundial con una comedia clásica de costumbres y caracteres en la tradición de Molière: Les affaires sont les affaires (Los negocios son los negocios) (1903), en la que aparece el personaje de Isidoro Lechat, arquetipo del moderno hombre de negocios, producto de un mundo nuevo, ancestro de los especuladores de hoy, que de todo hace dinero y expande sus tentáculos por el mundo. En 1908, al término de una larga batalla judicial y mediática, hace representar en la Comedia Francesa Le Foyer, una obra destinada al escándalo en la que transgrede otro tabú: la explotación económica y sexual de adolescentes en hogares de supuesta caridad.

Mirbeau hizo representar seis pequeñas obras en un acto, muy innovadoras, publicadas con el nombre de Farces et moralités (1904); en ellas anticipa el teatro de Bertolt Brecht, Marcel Aymé, Harold Pinter y Eugène Ionesco, y lleva la revuelta al seno del lenguaje. Desmitifica la ley, la monogamia y las instituciones sociales, además de poner en ridículo el discurso de ciertos políticos y el lenguaje trivial del amor.

La obra de Marcel Proust (1871-1922, en París, Francia), por su constante tendencia a la evocación y la captación del mundo de los sentidos puede considerarse dentro de esta tendencia.

En busca del tiempo perdido (Por el camino de Swann, A la Sombra de las Muchachas en Flor y El tiempo recobrado intenta abarcar la realidad en todas sus posibles percepciones, en todas las facetas del prisma de los diferentes participantes, y agregándoles además su monstruosa extensión en la dimensión del tiempo y sus efectos sobre la identidad, la sociedad y las relaciones. Esto, si bien constituye una obra singular que parece aún hoy resistirse a ser incluida fácilmente en la homogeneidad de un "ismo" o de una tendencia literaria más amplia, concuerda con las preocupaciones de los impresionistas: la realidad sólo tiene sentido a través de la percepción, real o imaginaria, del sujeto. En nuestros días, se han reconocido las notables proximidades entre Proust y el impresionismo, y él mismo confiesa las similitudes entre su proyecto estético y esta tendencia particular de la pintura cuando en el tomo de A la Sombra de las Muchachas en Flor articula un personaje que es pintor y se guía por principios de creación parecidos, que le permiten agregar algo nuevo a una imagen cotidiana al permearla de su individualidad como creador.

El prisma no es sólo el de los distintos actores, es también el del autor, que se encuentra con el tiempo que pasa desde distintos ángulos, el punto de vista del presente, el punto de vista del pasado, el punto de vista del pasado tal y como lo revivimos en el presente. Pero no son los aspectos psicológicos e introspectivos los únicos que aparecen en la obra. Los aspectos sociológicos están presentes en muchos sitios. Esta complejidad, sitúa el ciclo de En Busca del Tiempo Perdido, entre las "novelas mundo" como puedan serlo la Comedia humana de Honoré de Balzac o los Rougon-Macquart de Émile Zola.

Igualmente el teatro de Chejov, en el que la historia y las motivaciones de los personajes se van revelando fragmentariamente y la trama se divide en varias subtramas, ha sido considerado por algunos críticos dentro de este estilo. Su originalidad consiste en el uso de la técnica del monólogo, adoptada más tarde por James Joyce y otros escritores del Modernismo anglosajón (se caracterizan por la voluntad de jugar con las expectativas del lector, el psicoanalizar a sus personajes empleando técnicas como el monólogo interior,por ejemplo: Virginia Woolf), además del rechazo de la finalidad moral presente en la estructura de las obras tradicionales. No le preocupaban las dificultades que esto planteaba al lector, porque consideraba que el papel del artista es realizar preguntas, no responderlas.

En España pueden considerarse como escritores impresionista Juan Ramón Jiménez (busca conocer la verdad y de esta manera alcanzar la eternidad. La exactitud para él, es la belleza. La poesía es una fuente de conocimiento, para captar las cosas) y Azorín (se caracteriza por el impresionismo descriptivo, por el uso de una frase corta y de sintaxis simple, por el menudeo de un léxico castizo y por las series de dos adjetivos unidos por una coma. Entre sus técnicas literarias más innovadoras está el uso, a la manera de Virginia Woolf, de personajes que viven al mismo tiempo en varias épocas de la historia, fundiendo a la vez mito y eterno retorno), de principios del siglo XX.